演瓦格纳的歌剧，等于造出歌剧版航母——访中央歌剧院院长、著名指挥家俞峰

 

 

　　中央歌剧院院长俞峰教授带领《众神的黄昏》主创、主演谢幕

　　9月下旬，中央歌剧院再攀高峰，挑战瓦格纳歌剧作品的鸿篇巨制《尼伯龙根指环》系列之四《众神的黄昏》，并作为2015年国家艺术院团演出季的重要曲目与观众见面。有评论指出，演出瓦格纳的歌剧相当于造出了中国歌剧史上的第一艘航空母舰。事实上，该院自2011年9月于国内首演瓦格纳的歌剧《汤豪塞》以来，每年推出一部，陆续将《尼伯龙根指环》系列搬上舞台，成为中央歌剧院国际性地位的一个标志，先后被欧美主流媒体《纽约时报》及《金融时报》等给予高度评价。

 

 

　　中央歌剧院歌剧《汤豪塞》剧照

　　记者：此次瓦格纳的歌剧《尼伯龙根指环》之四《众神的黄昏》上演，延续了中央歌剧院前两年的做法，可谓是举全院之力重拳出击，仅演出时间就长达五个半小时，非常考验演员的实力。如此重要的作品，为什么只上演两天时间?

　　俞峰：我们没有办法，演出场地目前只能安排在国家大剧院，别的剧院乐池太小，演不了。而国家大剧院的场次安排非常紧张，我们前期演出装台需要两天时间，正常的话得一周，还有演员彩排等，这两天的演出时间还是挤出来的。此外，就《众神的黄昏》来说，同一组演员连续演出的时间长，既是脑力活，也是体力活，时间太长了对演员身体也不好。

　　记者：中央歌剧院能以自身实力完整上演《尼伯龙根指环》系列，着实不易、可喜可贺。有没有考虑过明年或以后，将《尼伯龙根指环》系列分别在春夏秋冬季节或某个时段，依次全部演一遍?这样对演员也好，想必观众也很期待。

　　俞峰：当然，将来我们会在中央歌剧院的新剧场演出，不过现在还在建设中，预计2018年落成。届时，整个《尼伯龙根指环》系列，会在一周之内全部演完。

　　记者：您如何看待中央歌剧院《尼伯龙根指环》系列的演出?

　　俞峰：歌剧艺术在16世纪起源于意大利的佛罗伦萨， 17世纪才开始出现德文创作。此后经过莫扎特、贝多芬、瓦格纳等人的努力，德国歌剧取得了很大成就，特别是瓦格纳的《尼伯龙根指环》系列更是成为歌剧艺术中的巅峰作品。而中国的歌剧院团要屹立于世界民族歌剧之林，必须要创作出属于自己民族的优秀作品，而创排世界优秀的歌剧剧目，尤其是高难度的瓦格纳作品，无疑是一个很好的学习过程。此前，中央歌剧院已经成功地演绎了瓦格纳《尼伯龙根指环》系列之《女武神》和《齐格弗里德》 ，今年我们继续勇攀高峰，演绎了《众神的黄昏》 。唯有不畏艰险，勇于攀登，才能成功地发展歌剧院的整体实力，闯出一条我国歌剧院发展的成功道路。

 

 

　　中央歌剧院歌剧《女武神》剧照

　　记者：毫无疑问，瓦格纳的歌剧《尼伯龙根指环》是世界歌剧艺术名作。中央歌剧院能够连续几年上演该剧，一方面足见贵院实力不俗;另一方面，您作为一院之长，也是在探索中国歌剧院的成功之路。但就演出效果来说，中国观众看此剧，会不会类似让外国人读《红楼梦》一样，多少还有点困难?

　　俞峰：不会的，我们现在看古希腊的神话，隔阂就没有多大。而《尼伯龙根指环》是北欧神话故事，电影《指环王》 《霍比特人》等也是讲述北欧神话，这些年来我们国家的观众对北欧的神话故事已经有了一定的了解，比如《女武神》的故事情节在游戏里面就有，所以说没有太大隔阂，尤其是在音乐和戏剧上。

　　记者：整部《尼伯龙根指环》系列剧目演出时长超过17个小时，不仅考验演员的水平，更考验歌剧院的综合实力。

　　俞峰：目前来说，世界上能上演这个剧的都不是很多，中央歌剧院作为中国的国家歌剧院，在亚洲是首屈一指的。而且，如果一个歌剧院能完全依靠自己的演员、装备等演出《尼伯龙根指环》系列，那更是少之又少。早在2013年7月，中央歌剧院曾“全华班”首演《尼伯龙根指环》之二《女武神》，也就是说全部由华人演唱、导演、指挥和演奏该剧目，受到了媒体及观众的高度赞赏，被誉为“开创了时代的新纪元” 。2014年9月，中央歌剧院独立制作的《尼伯龙根指环》之三《齐格弗里德》在国家大剧院首演，更具有里程碑意义，不仅意味着中央歌剧院的制作能力迈入了新的阶段，同时向世人展示了当代中国歌剧的艺术水准。

　　在国外，演员是签约制，演出时大家才聚在一起，跟我们国内的“全华班”不同。因为中央歌剧院作为中国的国家歌剧院，承担着积极推动中国国家艺术形象的重任，因此我们必须培养自己的歌剧人才。如果花钱请外国人来唱，很容易，随时随地都可以，但那不是我们的目的，我们是要通过上演、学习、借鉴瓦格纳的歌剧，培养我们的演员和演出队伍，同时创作和上演我们原创的歌剧作品。所以，我们排演《尼伯龙根指环》系列，有着更深层的意义。

 

 

　　中央歌剧院歌剧《齐格弗里德》剧照

　　记者：您曾说，歌剧之于西方就像戏曲之于中国，两者有相通之处。作为专业人士，您认为歌剧艺术的魅力体现在哪里?

　　俞峰：主要体现在两个方面，首先是音乐艺术，音乐有其自身的审美功能及情感意义，全世界语言可以不同，人种、肤色等可以不一样，但音乐是没有国界的，基本情绪、情感是一致的;其次是戏剧，跟音乐一样，甚至更加彻底，从最早的祭祀仪式开始，到模仿、逐渐产生戏曲艺术，戏剧的特征就是把具有审美功能的模仿转化为了艺术，特别在没有影视艺术的阶段更是如此，甚至转述就是一种戏剧化的表演。

　　记者：在中国，音乐和戏剧结合产生戏曲艺术。而西方的音乐和戏剧结合后，称为歌剧艺术。为什么?

　　俞峰：我们中国的戏曲艺术是以歌舞演故事，西方的歌剧艺术也一样，歌就是音乐，舞就是戏剧，而故事是核心。所以，京剧也可以叫“北京歌剧” 。

　　记者：两者有何不同?

　　俞峰：大体而言，中国的戏曲艺术偏于写意，而国外的歌剧艺术比较写实。比如演出中需要一匹马，中国的戏曲艺术借用抽象的程式化动作或声音表现，而西方歌剧艺术有时真马就被拉上去了，这就是区别。当然， 20世纪以后，西方歌剧的整个风格也在不断变化。但总而言之，在没有电影出现的时候，瓦格纳的歌剧就相当于现在的大片。

　　记者：在我国，从歌剧《白毛女》诞生以来，源自西方的这门艺术在普通老百姓中，还是很有生命力的。为什么《白毛女》这部诞生于延安的歌剧会有如此旺盛的生命力?

　　俞峰：这有一个过程，还有历史条件以及整个环境的作用。比如京剧在中国为什么会普及?第一，是全国各地广泛建立了京剧剧团;第二，是靠样板戏的大力推广。而歌剧艺术在中国可谓是舶来品，歌剧《白毛女》能够诞生于延安时期并得到普及，首先，要归功于我们党非常具有创新精神，思想开放，勇于学习、敢于借鉴国外艺术;其次， 《白毛女》的故事核心是旧社会把人变成鬼，新社会把鬼变成人，在当时的历史条件下，具有重要的政治意义和革命教育意义;第三，从审美上来说，用了很多民歌民调及秧歌剧元素，有广泛的群众基础，非常接地气。不过，从歌剧《白毛女》第五幕来看，整个大合唱仅有中国民歌是表现不出来的，这个时候就需要借鉴西方的歌剧艺术，这是不能排斥的。

　　转载自中国艺术报2015年11月18日刊

　　原文链接：

　　http://www.cflac.org.cn/zgysb/dz/ysb/history/20151118/index.htm?

　　age=/page_8/201511/t20151117_313243.htm&pagenum=8